Kinopoivre, les films critiqués par Jean-Pierre Marquet

Année 2013

Commençons l’année par un Entracte 24 et un Entracte 25, accompagnĂ©s par le film français d’Asghar Fahradi, Le passé.

[Entracte 24]

Et si nous nous intéressions au mensonge ? On remplirait, avec ce sujet, une encyclopédie, mais je vais me borner à deux rubriques : le mensonge dans la presse qui parle des films, et les flashbacks mensongers à l’intérieur des films. Pour ne pas faire trop long, je donnerai trois exemples du premier cas, et deux du second cas.

Lorsqu’un film sort, tous les journaux, tous les sites Internet traitant de ces sorties publient un résumé du synopsis, généralement pompé sans autre forme de procès dans le dossier de presse qui est remis à chaque journaliste spécialisé lors des projections en avant-première (raison pour laquelle ce résumé est strictement identique partout !) : je le sais bien, j’en ai tout une collection, de ces dossiers de presse. Parfois même, certains de ces parangons de la conscience professionnelle ne se donnent pas la peine de visionner le film, et se bornent à reprendre les termes de ce document évidemment fabriqué pour des besoins publicitaires par le distributeur ou le producteur.

Or il arrive, de temps à autre, que ce résumé ne corresponde pas du tout à ce que le spectateur verra, mais à l’idée que les publicitaires se font de ce qu’on DOIT raconter audit spectateur pour lui donner envie d’aller voir cette pellicule. C’est arrivé pour La mauvaise éducation, film de 2005 dĂ» à Pedro Almodóvar. Le résumé disait en effet ceci : « Deux garçons, Ignacio et Enrique, découvrent l’amour, le cinéma et la peur dans une école religieuse au début des années soixante. Le père Manolo, directeur de l’institution et professeur de littérature, est témoin et acteur de ces premières découvertes. Les trois personnages se reverront deux autres fois, à la fin des années 70 et en 1980. Cette deuxième rencontre marquera la vie et la mort de l’un d’entre eux Â». Si vous préférez l’anglais, vous lirez ceci : « An examination on the effect of Franco-era religious schooling and sexual abuse on the lives of two longtime friends Â». Donc, c’est très clair, ces deux jeunes garçons sont victimes d’abus sexuel de la part d’un religieux qui est aussi leur professeur de littérature. Et toute la pub du film a été construite sur ce thème de la pédophilie dans les établissements religieux catholiques. Ă€ ce détail près qu’il n’y a rien de tout cela dans le film ! Cette histoire d’abus sexuel ne figure que dans un roman non publié, écrit par l’un des garçons devenu adulte, pour nuire à ce professeur, qui n’avait rien fait de tel ; et ce roman est trouvé par le frère de l’auteur – mort entre-temps –, frère qui va le proposer à un réalisateur de cinéma pour en faire un film... dans lequel il veut jouer ! La publicitĂ© mentait.

Il y eut aussi ce film d’un autre Espagnol, Jaume Collet-Serra, intitulé Unknown – en français, Sans identité. Là, le résumé qui a été publié dit ceci : « Alors qu’il est à Berlin pour donner une conférence, un homme tombe dans le coma, victime d’un accident de voiture. Plus tard, une fois réveillé, il apprend qu’un autre homme a pris son identité et cherche à le tuer. Avec l’aide d’une jeune femme, il va tout mettre en œuvre pour prouver qui il est ». Autres élucubrations, puisque le docteur Martin Harris n’est pas ce qu’il croit, un biotechnicien états-unien, c’est en réalité un tueur canadien atteint d’amnésie, sa prétendue femme est sa complice (pas amnésique, elle), et tous deux participent à un complot fomenté par des industriels de l’agro-alimentaire, ayant pour but d’éliminer un savant berlinois qui a inventé un OGM, variété de maïs capable de résister à tout et donc susceptible de résoudre le problème de la faim dans les pays pauvres.

Enfin, il y eut ce film de Martin Scorsese, avec Leonardo DiCaprio, Shutter Island, tiré d’un roman policier. Le résumé prétendait ceci : « En 1954, le marshal Teddy Daniels et son coéquipier Chuck Aule sont envoyés enquêter sur l’Ă®le de Shutter Island, dans un hĂ´pital psychiatrique oĂą sont internés de dangereux criminels. L’une des patientes, Rachel Solando, a inexplicablement disparu. Comment la meurtrière a-t-elle pu sortir d’une cellule fermée de l’extérieur ? Â». Or ces faits et personnages n’existent pas ! Toute l’histoire se passe en réalité dans la tête d’un fou assassin joué par DiCaprio.

Pour ce qui est des flashbacks, c’est-à-dire des retours en arrière en cours de récit, le public les accepte facilement, mais il a tendance, on ne sait pourquoi, à considérer que ce qu’il voit alors est la vérité – alors que ce qu’il entend dire par les personnages peut être mis en doute. Or certains films contiennent des flashbacks mensongers : on voit des faits qui n’ont jamais eu lieu, et les spectateurs ont tendance à estimer que l’auteur du film se fiche d’eux, et leur ment sans scrupules.

Cela s’est produit dans un film d’Hitchcock, Stage fright (en français, Le grand alibi), dans lequel un récit fait par Marlene Dietrich est illustré par un flachback mensonger : le public voit des faits qui n’ont pas eu lieu ! Hitchcock, toute sa vie, a regretté d’avoir commis cette erreur.

Et puis, il y eut Basic, dernier film de John McTiernan, en 2003 : cette fois, TOUT le film était truffé de retours en arrière montrant des faits qui n’avaient pas eu lieu. En un sens, c’est un sommet du mensonge.

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Le passé

Réalisateur : Asghar Fahradi

Titre de travail iranien : Gozashte

Scénario : Asghar Farhadi, adaptation de Massoumeh Lahidji

Interprètes : Bérénice Bejo (Marie Brisson), Tahar Rahim (Samir), Ali Mosaffa (Ahmad), Pauline Burlet (Lucie), Elyes Aguis (Fouad), Jeanne Jestin (Léa), Sabrina Ouazani (NaĂŻma), Babak Karimi (Shahryar), Valeria Cavalli (Valeria), Aleksandra Klebanska (Céline), Jean-Michel Simonet (le médecin), Pierre Guerder (le juge), Anne-Marion de Cayeux (l’avocate), Eléonora Marino (la collègue Marie), Jonathan Devred (l’agent de l’aéroport), Sylviane Fraval (l’infirmière)

Musique : Evgueni Galperine et Youli Galperine

Directeur de la photo : Mahmoud Kalari

Montage : Juliette Welfling

Durée : 2 heures et 10 minutes

Sortie à Paris : vendredi 17 mai 2013

Lire la critique rapide

Notons d’abord que ce film, tourné à Paris et à Sevran, et en français (langue que le réalisateur ne parle pas ! C’est sans doute son adaptateur qui a traduit les dialogues, très abondants comme toujours), n’est pas sorti en Iran, alors que les précédents films du même réalisateur y ont été distribués sans aucune difficulté. Homme de théâtre, Fahradi a brillamment réussi son passage au cinéma, et il fait aujourd’hui figure de maĂ®tre du cinéma, opinion que le public cautionne, et qui est pleinement justifiée.

Une histoire de famille recomposée, mais à la limite de la décomposition. Pour son premier film français après cinq films en Iran, son pays, Fahradi conserve ses méthodes : écrire un scénario qui donne un rôle essentiel aux femmes, procĂ©dant par additions de couches successives de révélations, chacune amenant un mini-renversement de situation et relançant l’intérêt (ce qui permet de tenir le public en haleine pendant deux heures et dix minutes), et filmer avec minutie les éléments nécessaires au récit, dans un cadre contrôlé avec rigueur (et saluons le cadreur, qui n’a pas la tremblote et réussit des images impeccables, ce qui rarement le cas chez les autres réalisateurs). Façon de dire, conjonction rarissime, que Fahradi est aussi bon réalisateur que scénariste,

Alors, bien sûr, après tant de louanges depuis Une séparation, qui a d’ailleurs permis de sortir en France trois autres films l’ayant précédé – mais on aimerait bien voir le tout premier, resté inédit chez nous, Raghs dar ghobar, réalisé en 2003 –, certains commencent à montrer de l’agacement, et murmurent que cette méthode tourne au procédé. Le reproche n’est pas entièrement gratuit, mais on ne peut faire grief à un auteur de creuser son propre sillon, l’essentiel étant, comme d’autres l’ont dit bien auparavant, de plaire au public.

Pour le reste, le thème général est encore la fragilité des familles, les mensonges et les erreurs, et le fait déjà relevé ici que, dans les films de Fahradi, au fond, personne n’est coupable. Il y a aussi ce parti-pris de ne jamais donner de fin à son histoire, et, en l’occurrence, le plan final, qui évite l’épilogue traditionnel, est d’une originalité que je n’ai encore jamais vue, sinon peut-être dans Blancanieves, lequel présente une analogie troublante, mais certainement due au hasard..

Notons qu’on tremble à l’idée que le rôle féminin principal, dans lequel Bérénice Béjo est excellente, aurait pu être tenu par l’envahissante Marion Cotillard, aussi adéquate que Marlene Dietrich l’aurait été en Eva Braun !

Le film, qui a coĂ»té huit millions et demi d’euros, a été tourné en trois mois, du 8 octobre 2012 au 11 janvier 2013, et la production a été terminée le 13 mars. Il n’a encore reçu aucune récompense, à l’exception du prix d’interprétation féminine attribué à Bérénice Béjo à Cannes.

Mais de quoi s’agit-il ? Pour les curieux et ceux qui ne craignent pas de connaĂ®tre la fin, notez que le film est raconté ICI. Inutile, donc, de rallonger cette critique au-delà du nécessaire. Je vais donc me contenter de répliquer au grief exposé plus haut : les films de Farhadi contiennent des coups de théâtre, qui seraient, pour un scénariste, l’équivalent des mots d’auteur pour un dramaturge. Mais enfin, soyons un peu plus positif : tout bon scénario doit réserver au spectateur son content de péripéties inattendues, afin de retenir son attention, et c’est d’autant plus justifié ici que ces retournements ne sont pas l’effet de la seule volonté de l’auteur qui, deux ex machina, « invente des évènements Â» au gré de son caprice ou par pure commodité (j’ai suffisamment dénoncé le procédé consistant à faire mourir d’un accident ou de maladie un personnage dont l’auteur ne savait plus quoi faire !), mais qu’ils sont la conséquence, presque toujours chez Farhadi, d’un mensonge initial : sur les cinq films que nous avons vus de lui, quatre, sauf Les enfants de Belle-Ville, sont fondés sur le mensonge d’un personnage – mensonge d’ailleurs excusable, de sorte qu’il n’y a aucun « méchant Â» dans ses films.

Détaillons un peu : dans La fête du feu, le mari trompe sa femme, mais ne veut surtout pas qu’elle en souffre en l’apprenant ; et le spectateur ne l’apprend qu’à l’avant-dernière scène. Dans Ă€ propos d’Elly, ce personnage de la fille qui va se noyer a raconté que son frère lui avait téléphoné, parce qu’elle veut cacher aux autres qu’il s’agit de son fiancé, alors qu’elle compte rompre pour éventuellement épouser l’homme que ses compagnons de vacances cherchent à lui proposer. Dans Une séparation, la femme de ménage enceinte, qui a fait une fausse couche après avoir été heurtée par une voiture, tente de faire croire qu’elle a été bousculée par son employeur, parce que, très pauvre et mariée à un chĂ´meur, elle essaie d’en tirer une compensation financière. Et dans Le passé, l’employée sans papiers de la boutique de nettoyage s’est fait passer, au téléphone, pour sa patronne, parce qu’elle a cru que celle-ci avait l’intention de la dénoncer pour immigration clandestine. Et toutes ces révélations sont amenées lentement, avec leur cortège de rancĹ“urs laissées de cĂ´té, et qui ressurgissent en détails quand la crise apparaĂ®t.

En bref : à voir absolument.Haut de la page

[Entracte 25]

Il ne m’est arrivĂ© qu’une seule fois de quitter une salle de cinĂ©ma parce que le film Ă©tait idiot et malhonnĂŞte : non seulement parce qu’il Ă©tait rĂ©alisĂ© en camĂ©ra portĂ©e se dĂ©plaçant frĂ©nĂ©tiquement, sans raison aucune, et s’obstinant Ă  montrer des dĂ©tails sans intĂ©rĂŞt pour l’action (indice que le rĂ©alisateur est incapable de choisir ce qu’il doit montrer), mais, comme il s’agissait d’un film d’horreur, son auteur, auquel je ne ferai pas l’honneur de le nommer, basait son travail sur une imposture que j’ai dĂ©noncĂ©e il y a dĂ©jĂ  treize ans, Ă  propos d’Apparences. Allez lire ma critique, je n’y changerais pas une syllabe.

Cette fois, il s’agissait d’un tueur qui dĂ©gommait Ă  coups d’arbalète les occupants d’une maison perdue en pleine campagne, thème très utilisĂ© dans ce genre de cinĂ©ma. Comme les occupants Ă©taient dix, il avait de quoi faire, mais je n’ai pas attendu qu’ils soient tous expĂ©diĂ©s ad patres, j’aurais mĂŞme pu larguer les amarres avant le premier meurtre, car la scène qui dès le dĂ©but m’a mis la puce Ă  l’oreille Ă©tait conçue ainsi : les parents, qui doivent recevoir leurs enfants adultes pour les fĂŞtes, arrivent dans la maison en avance, et le père commence Ă  faire le tour des lieux pour remettrre en marche la chaudière, et autres tâches. Ă€ un moment, une ombre se profile derrière lui, une main se pose sur son Ă©paule, il saute de surprise et la bande sonore s’agrĂ©mente d’un violent coup de cymbales. Irruption de l’assassin ? Non, c’était son fils qui arrivait et venait saluer son père !

On comprend imĂ©mdiatement que vouloir faire peur aux spectateurs, par ce procĂ©dĂ© grossier et que la situation ne justifie absolument pas, est une imposture, et que nous allons y avoir droit une fois toutes les trois minutes. Je pose alors la question : comment se fait-il que les grands rĂ©alisateurs n’y aient jamais recours ? Dans Psychose, d’Alfred Hitchcock, il n’y a aucun coup de cymbales sur la bande sonore (il n’y a aucune cymbale dans toute la musique du film, entièrement jouĂ©e aux cordes, y compris sur la scène de la douche), et la vision du corps empaillĂ© de Mrs Bates, peu avant la fin, n’effraye pas ; pas plus que ne fait sursauter la vision du cadavre aux yeux crevĂ©s dans Les oiseaux, parce que la scène est amenĂ©e lentement, avec Ă©normĂ©ment de prĂ©cautions, et que le spectateur, loin d’être surpris, anticipe sur ce qu’il va voir.

Vous n’êtes pas convaincu ? Alors, voyez The shining, le seul film d’horreur rĂ©alisĂ© par Stanley Kubrick : tout se passe dans un hĂ´tel de luxe fermĂ© pour l’hiver et que garde une famille. Cet hĂ´tel, qui a naguère Ă©tĂ© le lieu d’un double crime horrible (un père a massacrĂ© sa famille entière), est peuplĂ© de fantĂ´mes, et nous voyons ces fantĂ´mes. Or ils ont un aspect banal, quotidien, et si on les rencontrait dans d’autres circonstances, on ne leur prĂŞterait aucune attention ; autrement dit, ce n’est pas eux qui font peur, c’est la folie qui peu Ă  peu gagne l’esprit de Jack Nicholson. La seule scène d’horreur est celle oĂą Jack, croyant serrer dans ses bras une belle fille nue, aperçoit son reflet dans un miroir et voit qu’il Ă©treint en rĂ©alitĂ© le corps eczĂ©mateux et scrofuleux d’une vieillarde – un fantĂ´me Ă©videmment. Quant Ă  la musique, elle n’est jamais employĂ©e mĂ©caniquement pour nous faire sursauter.

Je pense que ces procĂ©dĂ©s primaires sont utilisĂ©s pour pallier l’incapacitĂ© des metteurs en scène Ă  trouver des moyens plus subtils afin d’atteindre leur but : faire peur. C’est sans doute dĂ» au fait que le public a changĂ©, il est aujourd’hui composĂ© presque exclusivement de jeunes qui ne possĂ©dent aucune culture cinĂ©matographique, et donc sont peu exigeants. Disons-le sans dĂ©tour, on peut leur refiler de la camelote, comme Ă  la tĂ©lĂ©vision : comme ils ne connaissent rien d’autre, ils l’acceptent sans discuter. Bref, on les escroque.

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Dernière mise à jour de cette page le jeudi 10 septembre 2020.